So mutiert der Lamborghini Pavillon zu einer Kirmesshow bei dem das Auto zum wilden Tier stilisiert wird, das wortwörtlich hinter Gittern gehalten und mit großem Brimborium ohne Einlösung des Versprechens inszeniert werden muss. Sehr bezeichnend fand ich an dieser Stelle, dass einige Autofans, die bei den Infos über die Leistungen dieses “Ungetüms” wohlwollend nickten und sich gegenseitig anstupsten, die Show vorzeitig verließen, da ihre Erwartungen nicht erfüllt wurden. Diese Inszenierung ist eindeutig gescheitert.

Ich persönlich muss sagen, dass ich die Autostadt nicht ernst nehmen konnte. Besonders die Lamborghini Show bestach durch Lächerlichkeit. Trotzdem scheint das Gesamtkonzept zu funktionieren, die Autostadt war gut besucht. Inkonsequenz in der Inszenierungsstrategie und dem Streben nach Begegnung zwischen Kunde und Objekt kann man VW jedenfalls nicht vorwerfen.

Das Konzept scheut auch nicht davor Kunst in den Dienst der Wirtschaft zu stellen. Im Museum auf dem Areal werden alte Autos ausgestellt, um die Meilensteine in sowohl Technik als auch Design zu präsentieren. Das Museum selbst wurde von einem Künstler “inszeniert”, was aber überhaupt nicht zum Tragen kommt und keinerlei Mehrwert bietet.

Kunst findet sich auch direkt in der Eingangshalle in der ein überdimensionaler Globus nicht nur ein Mobilitätsmotiv aufgreift, sondern vor allem als Weltausstellungsmotiv fungiert. So sonderlich es zu scheinen mag, aber in diese Geschichte reiht sich die Autostadt nahtlos ein. Zum einen wird Technik zum Objekt erhoben, das es auszustellen lohnt und zum anderen wird dem Besucher ein Gesamtpaket mit Information, Spaß, Verpflegung (die Führer werden nicht müde zu betonen in welchen Restaurants die Gutscheine eingelöst werden können) und kurzweiligem Zeitvertreib geboten.

Ein positiver Endpunkt setzte für mich ein “modernes Märchen” zum Thema Sicherheit, das im 360° Kino gezeigt wurde. Das einzige was für mich funktionierte.

Eines steht fest: ich bin für diese Art von Unterhaltung einfach nicht gemacht.

• Jedes Making of ist eine Inszenierung, die sich bestimmter Mittel bedient, um die Geschichte zu erzählen. Dabei muss nicht die Inszenierung selbst reflexiv sein (teilweise sind sie es nämlich nicht), aber immer ist es der Verweis auf den Film, der Reflexivität entstehen lässt.
• Die Verweisfunktion drückt sich auch dadurch aus, dass es das Making of ohne den Film nicht geben würde. Er ist themagebend und weist dem Making of eine Atmosphäre zu, die sehr oft die des Filmes widerspiegelt. .
• Die Wahrnehmung des Zuschauers wird thematisiert. Die Illusionen verfallen.
• Durch das Aufzeigen der Spezialeffekte wird das Produkt erhöht, es findet eine “Auratisierung” statt.

Jedes Making of entscheidet sich für eine Art der Darstellung, so mutet etwa das Making of von Nirgendwo in Afrika wie ein Dokumentationsfilm an oder das von Whale Rider gleicht einem Werbe- / Informationsfilm, einer Art erweiterter Trailer und doch eint sie die Inszenierung des Entstehungsprozesses des Films und meist auch die Motivation des Filmteams zu zeigen.

Ein Crewmitglied von Whale Rider verglich das Aufzeigen der Spezialeffekte mit einem Zauberer der seine Tricks verrät und so zur Entmystifizierung des Films beiträgt und trotzdem wird ein Blick hinter die Kulissen gewährt. Verändert sich dadurch auch die Wahrnehmungsbedingung beim Zuschauer? Und wenn ja, wieso wird es dann trotzdem gemacht? Dieser Frage werde ich noch nachgehen.

• Neben Zeitzeugen in Vitrinen sehr viele Informationstafeln, die eine Studierzimmeratmosphäre entstehen lassen
• die eigene Rolle meist eher passiv, nur an wenigen Stellen wird auf Interaktion gebaut, wie z.B. das Erfühlen verschiedener Materialien
• das eigentliche UNESCO Welterbe, der Gropius Bau nur von außen zu sehen
• neben der permanenten Ausstellung auch verschiedene Sonderausstellungen integriert, die sich thematisch eingliedern
• Atmosphäre des alten Gebäudes, das Museum ist in einer ehemaligen Lagerhalle über mehrere Stockwerke verteilt untergebracht, spürbar, reizvoll; einerseits Abgeschlossenheit der einzelnen Stockwerke, die sich auch thematisch unterscheiden, andererseits große Durchlässigkeit durch die Holzdielen des Fußbodens, die kleine Lücken aufweisen

=> die Inszenierungsstrategie geht nur teilweise auf, da der eigene Eindruck der Fabrikhalle fehlt.

Ein Beispiel hierfür ist eine Szene aus dem Musical Der König der Löwen in Hamburg.  Zazu, Haus- und Hofmeister Mufasas steht vor einem Vorhang, hinter dem Umbauarbeiten stattfinden und plappert vor sich hin. Plötzlich schaut er auf den Vorhang und sagt: “Das sieht ja aus wie ein IKEA-Vorhang.” In diesem Moment durchbricht er die vierte Wand indem er den Vorhang als solchen benennt und nicht daran festhält, dass es sich um die Savanne Afrikas handelt. Dem Zuschauer wird vor Augen geführt, dass er sich in einer Inszenierung befindet und dass sich die Akteure dessen durchaus bewusst sind, auch wenn normalerweise so getan wird als ob die Zuschauer nicht da seien.

Reflexivität kann durch verschiedene Techniken entstehen. Innerhalb des Seminars haben wir bisher sechs solcher Methoden unterschieden:

1. Die (technischen) Herstellungsbedingungen werden gezeigt
2. Die Wahrnehmungsbedingungen werden gezeigt
3. Das (absichtliche oder aber auch unabsichtliche) Scheitern von Inszenierungsstrategien
4. Das Zitieren von anderen Inszenierungsformaten
5. Ein “Schichtenmodell” bei dem mehrere Aspekte vereint werden
6. Die Inszenierungsstrategien werden kenntlich gemacht.

Das Beispiel vom Musical Der König der Löwen wäre hierbei zweitens, dem Aufzeigen der Wahrnehmungsbedingungen zuzurechnen.

Die Vitrinen sind voll gestopft mit Objekten vieler Herrenländer und verschiedener Zeiten, die alle den gleichen Zweck verfolgen: dem Schnarchen den Garaus zu machen. Da sie dies jedoch auf unterschiedlichste Art und Weise tun, sind sie thematisch geordnet, sortiert und teilweise mit Erklärungen versehen. Diese alleine reichen jedoch nicht aus, was der Führung einen hohen Stellenwert beikommen lässt. Die eher trockenen Erklärungen werden durch beifällig gestreute Anekdoten unterstrichen von denen es ruhig mehr geben dürfte, denn die Objekte brennen gerade zu nach Geschichten. Aber das Augenmerk scheint auf dem bloßen Ausstellen, dem Zugänglich-Machen zu liegen und nicht auf der Inszenierung.

Aus dem neunten Kapitel “Zensus, Landkarte und Museum” geht Anderson im Abschnitt Museum auf die Bestrebungen der Kolonialisten ein, archäologische Funde zu kategorisieren, zu dokumentieren um diese schließlich als Prestigegut in das kulturelle Erbe einfließen zu lassen, um zu deuten und politisch zu nutzen. Er geht auf verschiedene Gründe ein, die bei diesem Handeln eine zentrale Rolle spielten und deckt auf, dass “[...] die neu entstandenen unabhängigen Staaten, die eine auffällige Kontinuität mit ihren kolonialen Vorgängern aufwiesen, diese Form der politischen Musealisierung als Erbschaft übernahmen.” 

(Anmerkung: da ich nur diesen Abschnitt vorliegen habe, bleibt der vorliegende Text etwas holzschnittartig, sodass es mir nicht möglich erscheint im Moment mehr daraus zu ziehen. Vielleicht ändert sich das, durch das Besprechen im Seminar).

In seinem Aufsatz über das ideale Museum beginnt Gottfried Semper mit einer sieben Punkte umfassenden Auflistung, die seines Erachtens zur Erreichung eines idealen Museums von Nöten sind. Diese Punkte werden nach einem Ausflug in die Völker- und Museumsgeschichte erweitert und nach der eher allgemeinen Einführung spezifiziert.

Hauptthese dieser ersten sieben Punkte ist es, dass Wissenschaft und Kunst in einem Wechselverhältnis zu einander stehen und nur im Zusammenspiel das Museum zu einer Einrichtung nationaler Erziehung machen können, was für ihn von elementarer Bedeutung ist.

In seinem geschichtlichen Abriss über Sammlungen geht er bis in die chinesische Kulturepoche von Kasier Tsin Tsi (249 v. Chr.) zurück und arbeitet sich über die verschiedenen Völker in die Neuzeit vor. Dabei geht er ebenso auf die Entstehung erster Sammlungen ein, wie auf die Sitte Objekte aus fernöstlichen Ländern zu sammeln und in ungeordneter Weise zu präsentieren. Er selbst spricht von einem “phantastischen Durcheinander” dieser sowohl privaten als auch öffentlichen Sammlungen. Im 18. Jahrhundert erkennt er erstmals kritische Auseinandersetzung mit den Objekten. In dieser Zeit wurde von August dem Starken, Kurfürst von Sachen und König von Polen der Dresdner Zwinger errichtet, das erste Gebäude das allein zur “Aufnahme von Sammlungen bestimmt war”. Semper geht auf die Veränderung der Ziele von Sammlungen ein, die im Laufe der Zeit durchschritten wurden: “Dienten die ersten Kunstsammlungen rein nur als Aufbewahrungsort kostbarer und seltener Gegenstände, späterhin aber zur Unterhaltung für Kunst-, Altertums- und andere Liebhaber, so begann man schliesslich ihren Wert als Anstalten allgemeiner Belehrung zu erkennen.” Zeitgleich zu dieser letzten Entwicklung entstanden die ersten Kunstakademien. An der neueren Entwicklung die Sammlungen zu ordnen, kritisiert er, dass dieser Prozess in ganz Europa zu beobachten ist, es aber keinerlei Bestreben gibt die Sammlungen untereinander zu vernetzen und in Bezug zu einander zu setzen.

Im letzten Absatz des Textes kommt er auf seine begonnene Liste zurück und erweitert diese um konkrete Einteilungsmaßstäbe, wobei er selbst in Frage stellt, ob eine solch ideale Sammlung überhaupt erstrebenswert sei, oder ob es nicht ausreicht diese Grundsätze bei der Errichtung eines Museums zu beachten.

Neben der theoretischen Auseinandersetzung mit als Event angepriesenen Veranstaltungen wurde in einem praktischen Teil ein Konzept für ein Event für eine vorher festgelegte Zielgruppe erarbeitet und im Plenum vorgestellt und diskutiert.